martes, 3 de noviembre de 2015

La trompa. Historia

Las primeras trompas fueron utilizadas en la caza y en la guerra y eran de origen animal. A partir del siglo XVI, su cuerpo aparece enroscado o en espiral y recibe el nombre de trompa natural.
Las trompas antiguas eran más sencillas que las actuales. Estas trompas antiguas eran hechas de tubos de metal y tenían una abertura "estallada" (pabellón o campana). Eran originalmente usadas en la cacería, a menudo montando a caballo. El cambio de tono era efectuado enteramente por los labios. Hasta el siglo XIX no iban equipadas con válvulas.
La trompa (o, muchas veces, pares de trompas) a menudo invocaban la idea de cazar o, en el barroco, de representar nobleza, realeza o divinidad.
Las trompas antiguas estaban afinadas comúnmente en tonos de famimi si y do, y ya que estas eran las únicas notas disponibles en las series armónicas de uno de esos tonos, no había posibilidad de tocar en diferentes tonos intermedios. El remedio para esta limitación era el uso de "curvas" o "tonillos", es decir, secciones del tubo de diferente longitud que, insertados, alteraran el largo del instrumento, y así su tono. lel Finalmente, los intérpretes de trompa comenzaron a poner la mano derecha dentro del pabellón para cambiar el largo del instrumento, ajustando la tonalidad, hasta un tono. Esto ofrecía mayores posibilidades para tocar las notas no solo en las series armónicas usadas para una sola pieza. Durante el período clásico la trompa se convierte en un instrumento capaz de tocar muchas melodías.
Alrededor del 1815, fue introducido el uso de pistones (elementos que al ser pulsados suben y bajan dejando pasar así el aire), aportando mayor flexibilidad para tocar en diferentes tonos. De hecho se convirtió en un instrumento que usa completamente la escala cromática por primera vez.
Sin embargo, muchos conservatorios e intérpretes tradicionales rechazaron el cambio al principio, reclamando que la trompa sin válvulas, o "trompa natural", era un mejor instrumento. Algunos intérpretes utilizan, aún en la actualidad, una trompa natural, aunque solo para lograr el timbre para el cual fue escrita una pieza antigua.

Revolución Industrial

La Revolución Industrial o Primera Revolución Industrial es el proceso de transformación económica, social y tecnológica que se inició en la segunda mitad del siglo XVIII en el Reino Unido, que se extendió unas décadas después a gran parte de Europa occidental y Norteamérica, y que concluyó entre 1820 y 1840. Durante este periodo se vivió el mayor conjunto de transformaciones económicas, tecnológicas y sociales de la historia de la humanidad desde el Neolítico, que vio el paso desde una economía rural basada fundamentalmente en la agricultura y el comercio a una economía de carácter urbano, industrializada y mecanizada.


La Revolución Industrial entre la segunda mitad del Siglo IXX y primera del siglo XX, coincide con el período del romanticismo y afectó profundamente las formas musicales, La música de Beethoven anunció en gran parte los cambios que estaban llegando.



Se trata principalmente de cambios tecnológicos que permitieron la creación de nuevos instrumentos y una mejora enorme en los instrumentos antiguos, además del crecimiento en tamaño de la orquesta sinfónica. En los años de Mozart una orquesta tenía unos 20 a 40 músicos, mientras que en pleno período romántico no fueron raras orquestas con 200 o más ejecutantes.



Los propios instrumentos adquirieron sonidos más fuertes y más llenos, incluso instrumentos tan tradicionales como el violín cambiaron con cuerdas metálicas mucho más tensas, arcos más grandes y puente inclinado. En pruebas a ciegas con ejecutantes profesionales, han sido incapaces de distinguir el sonido de un Stradivarius de un buen violín moderno, lo que muestra como ha mejorado la tecnología la calidad de los instrumentos.



DESARROLLO DE LOS INSTRUMENTOS MUSICALES



En general las mejoras técnicas a los instrumentos durante la Revolución Industrial permitieron grandes mejoras dramáticas: más volumen; mejor timbre con armónicas más ricas; mejor control expresivo; más octavas; mejor respuesta dinámica (más diferencia entre un pianissimo y un fortissimo), esto cambió el sonido de la música.


El clave (también llamado clavicémbaloclavecíno) es un instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas que después evoluciona a ser lo que con
ocemos como el piano.

Los pianos fueron creciendo en tamaño y en octavas, hasta llegar al monstruoso Steinway Grand que se muestra en la foto. Steinway fue el más grande innovador en tecnologías de pianos, las principales innovaciones fueron colocar las teclas de los bajos cruzadas (no paralelas) a las demás, lo que permitió usar cuerdas más largas y sobre todo u cuerpo o marco de fierro fundido que permitió -igual que en los violines modernos- tensar mucho más las cuerdas. Cada tecla en un Steinway tiene tres cuerdas que pueden ser sostenidas o apagadas lo que da una expresividad enorme al sonido.

Absolutismo Monárquico

Absolutismo monarquico y su influencia en la música

Los Reyes se daban a si mismos todo el poder de lo que se creaba. Luis XIV decía: Yo soy el estado. La realeza buscaba hacerse ver como Superior para que la gente creyera que realmente el poder estaba en ellos. Reflejaban su "cielo" tanto en sus palacios, retablos, vestuarios y en su música también mediante el tener más músicos y los mejores de el entorno en el cuál estaban. La música se adornaba y se contrastaba para evidenciar más el barroquismo de la época.

martes, 6 de octubre de 2015

Orquesta Clásica

A mediados del S. XVIII se empieza a estandarizar la orquesta. Paulatinamente se van anotando los instrumentos explícitamente en la partitura evitando así los accidentes de las épocas anteriores.

1750 - 1800 se asiste a la consolidación de la orquesta sinfónica.

Dos fueron los centros de producción musical más importantes de aquella época, catalizadores del «nuevo estilo» y forjadores del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena

Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para experimentar en este campo: una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart.
Utilización de unos recursos, como el llamado crescendo Mannheim, que en realidad no fue invención de los miembros de este grupo.

En Viena destacaron una serie de compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta, como Matthias Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus aportaciones al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con quienes esta forma alcanzó el desarrollo que llevó directamente a las realizaciones beethovenianas.

La orquesta clásica hizo cambios para poder expresar las nuevas formas, el sonido del clave desaparece. Aparecen dos nuevos instrumentos que son la trompa y el clarinete y otro instrumento de tecla que es el piano. En esta orquesta se amplia en la familia de cuerda:10 violines primeros, 10 segundos, 8 violas, 6 violonchelos y 4 contrabajos, los demás instrumentos son los mismos que en el Barroco, pero se añaden los 2 clarinetes y las 2 trompas.

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A principios del período clásico, la orquesta estaba compuesta por dos oboes, dos trompas y el grupo de cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros instrumentos de viento, como las flautas traveseras -por estas fechas la flauta y el oboe eran tocados por un mismo instrumentista- y las trompetas. Como elemento de precisión rítmica se hizo uso de los timbales. Los trombones, en cambio, no tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su utilización quedó relegada a la música sacra -en la que doblaban las partes de contralto, tenor y bajo- y a la ópera. El fagot, que no siempre estaba escrito en la partitura fue utilizado regularmente y adquirió a finales del clasicismo, cierta autonomía, alejándose así de la simple función de duplicar la línea del bajo que se le había encomendado en un principio.

 El clave se sobreentendía en la ejecución de la música sinfónica, sobre todo en la fase temprana del clasicismo, cuando los instrumentos de la orquesta no asumían la totalidad de las relaciones armónicas. El compositor actuaba como director desde el clave, concertando a los distintos grupos instrumentales. No era otra cosa lo que Haydn hacía cuando dirigía a la orquesta de los Esterházy. Gradualmente el sonido del clave fue desapareciendo y se introdujeron sonidos como la trompa y el clarinete y otro instrumento de teclas: el piano.




sábado, 3 de octubre de 2015

Las bodas de Fígaro de Mozart

1 de mayo de 1776
Teatro de Vienna
Libreto de Lorenzo D'Aponte 
Comedia

ARGUMENTO
(La ópera se desarrolla en el castillo del Conde)
Fígaro se va a casar con Susana.
Susana le comenta a Fígaro que el conde se la pasa coqueteandole, ambos se dicen que no hay de que preocuparse, pues ella lo ama a el y el no se dejara del conde.
Marcelina dice que Fígaro le había prometido que se casarían, el lo niega siempre.
Querubino esta enamorado de Barbarina.
La esposa del conde Rosina y Susana elaboran un plan para destapar el engaño, ellas cambian de papel y visten a Querubino de mujer.
Se dan cuenta de que Fígaro si le había prometido casarse con ella a Marcelina, ella consigue un abogado para que pase lo que le había prometido o que le pagará, el dice que no porque necesita el permiso de sus padres que estaban secuestrados.
Resultó que Marcelina era madre de Fígaro y todo se aclara para todos incluyendo a Susana que creía que se habían casado al verlos abrazados.
Rosina (vestida de Susana) cita al conde para descubrir su engaño.
Entre confusiones todos se pelean y se hacen mal entendidos pero Susana y la condesa Rosina deciden ponerle fin y aclaran todo.
El conde se arrepiente de su abuso de poder.
Termina en una boda doble entre Susana y Fígaro y Querubino y Barbarina.

Tristán e Isolda de Wagner

Ópera en 3 actos
10 de junio de 1865
Musica y libreto por Wagner
"2 amantes que no pueden estar juntos en vida deciden morir para acabar con su martirio en vida"
Acto 1
El rey, tío de Tristán manda a Tristán por Isolda a una guerra donde muere su esposo.
Isolda intenta apuñalar a Tristán cuando se entera que en realidad quien había matado a su esposo fue él pero se detiene.
Al intentar no odiarlo con una poción que se supone que era para eso se enamoran tras tomar una que resultó ser de amor.
Acto 2
Ya en el castillo ambos saben que están  enamorados uno del otro.
Por las noches se expresan su amor pensando que nadie los delatara.
Un amigo de Tristán los ha visto pero a ellos no les importa, pues creen que no le dirá al rey.
Un día el rey se entera y queda devastado pues le duele que su sobrino, a quien tanto amaba y lo amaba lo traicionara, además ya se había enamorado de Isolda.
Tristán entra en duelo con Melot (el soplón) y queda herido de muerte.


Nabucco de Verdi

Ópera en 4 actos
Milán 9 de marzo de 1842
Libreto de Deminstocle Solera 
Jerusalén y Babilonia (560 aC)

Nabucconodosor: Rey de Babilonia (barítono)
Abigaile: supuesta hija de Nabucco, esclava (soprano)
Fenena: hija de Nabucco (mezzo-soprano)
Ismaele: sobrino del rey de Jerusalén (tenor)  
Zacarías: pontífice hebreo (bajo)
 
1er acto - Jerusalén 
Ismaele va a Babilonia y enamora a las hermanas Fenena y Abigaile.

2do acto- El malvado
C1:
Abigaile se da cuenta de que no es hija de Nabucco, se enoja.
Abigaile le quiere quitar el reino a Nabucco.
Hace un pacto con el sumo sacerdote para matar a todos los Judíos.
C2:
Zacarías se entera de que quiere hacer Abigaile y busca a Fenena para que lo ayude.
Abigaile se hace reina. 
Los israelitas son condenados a muerte.

3er acto - La profesia
C1:
se firma un tratado para matar a los judíos.
Fenena se vuelve judía por amor a Ismaele.
Nabucco hace todo para que el pacto no se hiciera.
C2:
"Va pensi ero" coro de los judíos 
Zacarías los alienta para que no se sientan sofocados, les da fuerzas para protestar, relevarse.
Nabucco despierta de su letargo.
Nabucco se convierte a el israelísmo y va a pelear con los que antes eran su competencia.

4to acto - El ídolo roto 
Logran matar al ídolo babilonico.
Abigaile entra moribunda y muere.

• Verdi fue un senador en Italia, realmente estaba en la política.
• Nabucco se volvió una obra que les daba a todos un fuerte sentimiento patriótico.
• Sus obras realmente inspiraban a la gente a levantarse y en Italia Verdi era toda una celebridad.
• VIVA VERDI se convirtió en parte de todas las calles, pero no como un grito al músico, sino como un acrónimo patriótico: " VIVA Vittorio Emmanuele Re d'Italia!"